Drive

La película Drive, de Nicolas Winding Refn, se estrenó en 2011. Con una estética pretendidamente ochentera, narra las aventuras y los silencios de su protagonista, interpretado por Ryan Gosling, un especialista de las películas de Hollywood y que utiliza su habilidad al volante para ayudar a escapar a ladrones tras sus robos, prestándoles cinco minutos de su tiempo. En ese momento, es suyo. Después de ese tiempo, no quiere saber nada de sus compinches. Solo hay otra norma más: nada de pistolas. Si no has visto la escena inicial, es muy recomendable, incluyendo los títulos de crédito, que desfilan sobre los edificios iluminados de la ciudad de Los Angeles, mientras suena Nightcall de Kavinsky.

La historia encumbró a Ryan Gosling, e hizo que todo lo que hiciera a partir de entonces fuera observado con lupa. Además, cuenta con otros grandes actores como Carey Mulligan o Bryan Cranston.

Uno de los grandes aciertos de la película es su banda sonora. Consiguen acompañar a la película, dotarla de intensidad cuando es necesario. Perviven en tu memoria la música y las imágenes conjuntamente, consigue emocionar.

La banda sonora cuenta con canciones poderosas que revitalizan el espíritu de los 80, algunas de ellas auténticas joyas. La banda sonora original es obra de Cliff Martinez, batería que fue de los Red Hot Chili Peppers a medidados de los años 80, curiosamente.

Drive se ha convertido en un icono popular, como lo fue en su tiempo Lost in translation. Una combinación de historia, actitud, estética y música que dio en el clavo. Un círculo cerrado.

Hoy, 30 de Octubre, con Drive como excusa, alguien de la BBC va a romper las normas.

Zane Lowe, presentador de BBC Radio 1, ha reclutado a multitud de grupos musicales para crear una banda sonora alternativa para Drive. Chvrches, Foals, SBTRKT, Jon Hopkins, Laura Mvula, The 1975, Baauer, BANKS, Bastille, Bring Me The Horizon, Eric Prydz, The Neighbourhood y ZCC (Simon Neil de Biffy Clyro) son los elegidos para este cometido.

Hoy, 30 de Octubre, en la BBC se podrá ver la película Drive, pero con una nueva banda sonora. Estos artistas han buscado nuevas ideas, han extraído lo que ellos consideran la esencia de la película, y han deconstruido lo que conocen para volver a programar algo completamente nuevo. El ejercicio es realmente complicado. Y sin embargo…

Muchas veces creemos que todo está inventado, que no es posible cambiar lo establecido… Y sin embargo solo hay que querer hacerlo. Si estás en un apuro, si no ves cómo puedes salir de una situación dada, simplemente decide el camino para hacerlo. Busca la excusa para desprogramar lo que tienes en la cabeza, y vuelve a programarte. Hay mil caminos, y cuesta elegir uno diferente al que conocemos, por eso lo único que hace falta es voluntad, querer hacerlo.

Y puede que el resultado sea algo tan brillante como la canción que Chvrches ha preparado para esta ocasión.

Hello darkness my old friend…

…I’ve come to talk with you again

Así es como empieza una de las canciones más populares de la historia, quizá también de las más emocionantes. Una canción sin estribillo, con solo una guitarra acústica en su versión original, y dos voces, las de Simon & Garfunkel, suficiente para emocionar.

La canción fue escrita reflejando el sentimiento del pueblo estadounidense tras el asesinato de John Fitzgerald Kennedy en 1963, y, curiosamente, lo hace a través de una melodía andina.

Paul Simon contó que la canción no debería tener un sentido demasiado profundo, que solamente eran versos propios de la angustia adolescente. Solo quería mostrar el sentimiento que tenía dentro tras el magnicidio. Tenía una sensación que no sabía como expresar, y esta canción fue su válvula de escape.

Hay ocasiones en las que algo nos atormenta o angustia, o, simplemente, nos duele. Y no sabemos qué hacer con estos sentimientos, con estas sensaciones. A veces no las expresamos porque tenemos miedo de que los demás no las comprendan, o de ser juzgados. A veces tampoco queremos molestarles con nuestras cosas. Y a veces, simplemente estas ideas no tienen sentido en nuestra cabeza, no sabemos cómo expresarlas.

A veces no las sacamos de la cabeza, porque no sabemos cómo.

Hay personas que expresan sus sentimientos verbalizándolos, otros a través de la poesía, de la música, del baile, de la pintura, la escritura… Lo importante es poder encontrar el vehículo para expresarse. Es necesario expresarlo.

Y… Paul Simon decía que aquello no tenía ni pies ni cabeza, que solo era su voz interior. Y sin embargo… no cuadra todo? La letra es tremendamente sugerente, son imágenes que te hacen comprender exactamente qué tenía en la cabeza al escribirlo. Aunque para él no tenga sentido, o crea pensar que no tiene sentido, la realidad es que el mensaje es claro.

Como bien dice al final de la canción, “The words of the prophets are written on the subway walls and tenement halls”. Y también, añadiríamos, en las letras de las canciones. Cualquier forma de expresarlas será igualmente válidas, siempre que llenen el sonido del silencio.

And whispered in the sounds of silence…

La democracia interna y Los Planetas.

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Me encantan los primeros discos de Los Planetas. Pero los dos últimos, con esa vena flamenca… no terminan de convencerme. Sin embargo, sigo escuchando sus primeras canciones.

Hay gente que ha crecido con la música de Cat Stevens. La han escuchado desde siempre, aunque no hubieran nacido cuando sacó su último disco.

A veces cambiamos de opinión. Y a veces la mantenemos contra viento y marea. A veces nos damos cuenta de que estuvimos equivocados. Y a veces nos apetece rectificar, y otras… no.

Es bastante difícil ponernos de acuerdo con nosotros mismos sobre todos los asuntos que comprenden nuestra vida, aunque hay cosas, como Cat Stevens, que permanecen siempre. O eso pensamos.

A veces nos piden que nos posicionemos, y tenemos que hacer un referéndum interno, decidir si algo nos gusta o si nos sigue gustando. Y a veces el resultado es tan ajustado que dudamos si es legítimo decidirse. Dudamos entonces de la democracia, de la toma de decisiones definitivas cuando no tenemos claras las cosas.

En los grupos parlamentarios no caben las dudas, por eso todos están insatisfechos. Se trata de llegar a un acuerdo dentro del partido, para después votar todos los diputados lo mismo. Si en un grupo parlamentario los diputados votaran opciones diferentes se vería externamente como un símbolo de debilidad, de dudas. Pero internamente respondería más a la realidad del grupo, a una realidad en la que hay dudas, pues hay sensibilidades diferentes. Sin embargo, se decide tomar una posición conjunta, mostrar una posición sin dudas.

Y… no sería más sencillo que los diputados de un grupo parlamentario votaran en representatividad de las sensibilidades de los ciudadanos que los han elegido como sus representantes? Cuantas decisiones del partido al que votaste en las últimas elecciones has visto con disgusto? Cuantos carteles de “No nos representan” han llenado las calles?

Debo estar atado a lo que decidí hace cuatro años? Los Planetas saben que no. En tres años pasaron de escribir El artista madridista a El canto del Bute. Y siguieron siendo Los Planetas. Quizá algún día vuelvan a sus orígenes, quizá no. Quien sabe? Toman sus decisiones ahora.

Quizá los partidos políticos debieran estar en contacto con sus representados y dividieran sus votos según estas opiniones, pues a fin de cuenta son sus representantes. Quizá deberían votar el 75% de sus diputados “si”, y el otro 25% “no”, si es que esto es lo que refleja su realidad. Tal vez deberían dejar de pensar qué pensarían los otros partidos, y preocuparse de qué piensan sus propios votantes.

Quizá deberíamos aceptar que a lo largo de la vida, o en un mismo momento, pensamos cosas contradictorias. Y que lo que hace diez años nos parecía una locura, ahora nos parezca la mayor de las sensateces. Y que seguimos siendo los mismos. Y que esperamos con ansia lo que nos deparará el futuro, qué cosas nos harán ver el mundo de manera diferente, cómo cambiará este, y como cambiaremos nosotros con él.

Tal vez Los Planetas no vuelvan a sacar un disco como los de sus inicios. Tal vez deje de esperarlo en algún momento. O quizá no.

Ya nos hablaba Cat Stevens de la contradicción… It´s a wild world. I’ll always remember you like a child, girl.

Kata ton daimona eaytoy

Jim Morrison. Todo el mundo sabe como vivió. Todo el mundo sabe como murió, y donde está su tumba. Una lápida en el cementerio de Père-Lachaise en París, ciudad en la que encontró la muerte, o en la que tal vez fue ella la que la encontró. Pero hoy no hablaremos de su muerte.

“El nacimiento del rock and roll coincidió con mi adolescencia, mi entrada en la conciencia. Fue una verdadera conexión en ese momento y después. Aunque no pude permitirme fantasear racionalmente para hacer ese vínculo yo mismo. Supongo que todo ese tiempo estaba inconscientemente acumulando información y escuchando. Así que cuando por fin sucedió, mi subconsciente había preparado todo.” El subconsciente de Jim Morrison definiendo como nace la creatividad perfectamente.

Hay una famosa foto de un concierto de The Doors, en blanco y negro.

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En ella Jim Morrison aparece en el suelo del escenario, en mitad de un concierto. Con los ojos cerrados, en posición fetal, aún agarrado al micro, dando la espalda al público. Se le ve exhausto, entregado a la música, al sentimiento. Y sin embargo… Y sin embargo, el público no muestra ninguna emoción. Todos los rostros contenidos, ninguna muestra de histerismo ni ilusión propia de un concierto. Él era la estrella del grupo, el Dios. Pero nadie, excepto él, demuestra ninguna emoción. Jim Morrison, solo en el escenario frente a miles de personas. Todos viendo al cantante mítico, al gran Jim Morrison, tumbado en el suelo. Sintiendo la música a su manera, como él creía en ella. En soledad.

La tumba de Jim Morrison es una lápida hundida, con un pequeño monolito, en el que hay un pequeño lema grabado: Kata ton daimona eaytoy. En griego antiguo, Fiel a su propio espíritu.

Como siempre.

Bernard Taupin, en la segunda fila.

Seguramente el nombre de Bernard Taupin no sea de los más conocidos en el negocio de la música. Es una nombre que suena exótico, mitad francés, mitad inglés. Suena a cantante de chanson francesa, con porte macarra, bohemio, un solo foco en el escenario, iluminándole a él, escondido su mirada bajo largos mechones, y a su guitarra.

Pero… nada más lejos de la realidad.

Bernard Taupin nació en 1950 en Lincolnshire, Inglaterra. Y en 1967 respondió a un anuncio de la revista musical New Musical Express en la que se solicitaban nuevos artistas musicales. Y no pasó la prueba.

Sin embargo, alguien se quedó con su nombre. Alguien vio talento en aquel joven, a pesar de que no tenía una buena voz. Había algo en sus textos que llamaba la atención. Así que le presentó a un artista que tampoco había pasado aquella prueba, para que trabajaran juntos.

Y juntos comenzaron a escribir canciones. Bernie Taupin escribía las letras, y se las hacía llegar por correo a su nuevo compañero, que componía la música y las cantaba. A los dos años se publicó el primer álbum fruto de su colaboración. No tuvo un gran éxito, pero pronto publicaron el segundo. En él se encontraba estaba esta maravillosa canción, que marcó el inicio de la carrera ininterrumpida de éxitos de su compañero, Elton John.

Después llegaron decenas de canciones y éxitos, Taupin escribía y Elton John ponía la música y las interpretaba: “Rocket Man”, “Crocodile Rock”, “Candle in the Wind”, “Saturday Night’s Alright for Fighting”, “Bennie and the Jets”, “Goodbye Yellow Brick Road”, “Don’t Let The Sun Go Down On Me”, “Daniel”, “Sorry Seems to Be the Hardest Word”, “I’m Still Standing”, “Sad Songs (Say So Much)”, “Sacrifice”, “Nikita”…

Bernie Taupin está considerado uno de los grandes letristas de la historia de la música. Pero siempre ha estado alejado de los focos, de las grandes premios y eventos. A la sombra de Elton John, nunca ha reclamado su trono. Siempre en la segunda fila, esa que está llena de aquellos que no necesitan el reconocimiento para sentirse exitosos.

Elton John sabe que parte de su éxito se lo debe a Bernie. Y fruto de este agradecimiento se publicó en el año 91 un álbum de tributo llamado Two Rooms, en el que muchos artistas homenajeaban a la pareja, haciendo explícito que la historia de Elton John es una historia de dos.

El éxito es escribir cosas como estas:

Don’t let the sun go down on me
Although I search myself,
it’s always someone else I see
I’d just allow a fragment of your life to wander free
But losing everything
is like the sun going down on me

Aunque nadie sepa quien eres. O al menos ese es el éxito para Bernie. Y es que el éxito no significa lo mismo para todos.

Y tu? Ya sabes que es el éxito para ti?

PD. Creo que el mayor éxito de Elton John es haber escondido durante tanto tiempo que su segundo nombre es… Hércules! Elton Hércules John! No es un gran éxito?

Try walking in my shoes

Depeche Mode son en realidad Dave Gahan y Martin Gore. Un dúo imbatible que ha llenado estadios a lo largo de los 33 años de carrera musical. Y nunca mejor dicho, musical. Sus miembros no aparecen involucrados en escándalos públicos, ni forman parte de vistosas campañas mediáticas solidarias. De hecho, su cantante, Dave Gahan, es de los pocos cantantes de grupos de éxito que solo se dedica a cantar, no toca ningún instrumento. Son solo conocidos por su música, y definitivamente su éxito se basa solo en su música.

Depeche tuvo unos comienzos muy electrónicos y oscuros. La banda tuvo un éxito impresionante en los años 80, y tuvo giras millonarias en asistencia por todo el mundo. miles de personas llenaban estadios con la cara pintada para asistir a sus conciertos. Nada parecía pararles. Martin Gore componía las canciones mientras Dave Gahan mostraba un carisma único en el escenario con su voz nasal de barítono.

En 1993 aparecieron unas guitarras afiladas en el primer single del nuevo disco del grupo, Song of Faith & Devotion. I feel you marcaba el cambio musical de Depeche, influido ahora por el grunge y el blues. Fue una evolución que trastocó a muchos de sus habituales fans, pero el nuevo sonido consiguió el mismo éxito que sus predecesores.

Los dos años que precedieron a la grabación de su disco Songs of Faith & Devotion fueron duros para la banda. Dave y Martin apenas mantuvieron el contacto. Dave, tras divorciarse, se había ido a vivir a California, y las drogas habían pasado a ser parte importante de su vida, de hecho la más importante. El ambiente de la grabación del disco no fue el ideal. Dave Gahan abandonaba el estudio constantemente, y el ritmo de grabación fue desesperante, incluso estuvo a punto de terminar con el grupo.

En este ambiente se entiende mejor la letra del segundo single del disco, Walking in my shoes. En ella se habla del perdón, y también de un concepto que se utiliza mucho en el coaching, la empatía. La empatía es un concepto fácil de entender, pero complicado de explicar. Pero para eso están los artistas, para definir las cosas de una manera que nos llegue.

En esta sesión, que difiere de la canción original en algunos tramos, se entiende perfectamente por qué el éxito del grupo, y también el por qué la empatía es fácil de entender, cuando tratas de andar con los zapatos del otro.

Antes de juzgar a alguien, intenta caminar con sus zapatos. Intenta entender sus compromisos, sus situaciones. Quizá tropezarías en sus mismos huellas. Olvídate de ser juex y parte, busca ser el abogado del diablo.

El juicio a Hannah Montana.

Hannah Montana se hizo mayor, se cortó el pelo y sacó la lengua.

Hace unos meses Miley Cyrus, la actriz conocida por interpretar a Hannah Montana en la serie del mismo nombre de Disney, entraba en el mundo de los adultos. Hace cuatro meses sacó al mercado la canción “We can´t stop”, en la que muestra esa nueva actitud.

La canción está escrita por ¡seis! autores, a pesar de su pretendida sencillez. Fue ofrecida por sus autores a Rihanna previamente, pero Rihanna decidió no aceptarla, por no coniderarla de su estilo. Después se la ofrecieron a Miley, y ella consideró que encajaba perfectamente en su nueva personalidad y estilo. No es la típica canción de baile o discoteca, y por ello a muchos analistas les sorprendió su elección como primer single del nuevo disco de Miley.

La canción apenas tiene instrumentos. Cuenta con una bateria, un piano y un sintetizador. La voz de Miley suena desganada, y aparece en muchos tramos de la canción con otra voz por debajo de la suya que canta simultaneamente. Cuenta con un coro poderoso, que marca el ritmo de una manera fuerte. Una producción brillante, pese al tratamiento de la voz de Miley.

En la letra se encuentran referencias no demasiado sutiles a las drogas y el sexo. Y en el video Miley muestra lo ella que cree que es su lado sexy, y suele encontrarse con la opinión de mucha gente, que lo define como “Zafio” y “vulgar”. Se ha cortado el pelo, se ha rodeado de amigos con los que está de fiesta constantemente, y no deja de sacar la lengua. Además, nada parece casar en el video con el ritmo de la canción

Y sin embargo….

Y sin embargo Miley canta dos verdades: “It’s our song, we can sing if we want to. It’s my mouth, and I can say what I want to”

No juzgues a los demás por los pecados que tu no cometes.

Some might say…

Te has preguntado alguna vez… ¿y si hoy es el día?
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En los años 80 Jane Fonda era una actriz consagrada que había llamado ya la atención de los medios por su capacidad interpretativa (ha ganado dos premios Oscar en su carrera) y por su actividad política, que le causó no pocos problemas con la policía durante su juventud. En 1984 fue llamada para hacer un reportaje con carácter político debido a su compromiso, y durante la grabación sufrió un esguince de tobillo, que le impidió moverse durante un tiempo. “¡Que mala pata!”, dirían algunos.

Jane no pudo retomar el ballet, el ejercicio físico que habitualmente hacía para mantenerse en forma, puesto que era demasiado agresivo con sus tobillos. Tuvo que estar inmovilizada y en reposo durante un tiempo.

Pasado este descanso, Jane tuvo que buscar una nueva manera de mantenerse en forma. Le hablaron de una disciplina nueva, en la que un grupo de mujeres se reunían en una sala con música, y realizaban una serie de ejercicios aeróbicos guiadas por una líder. Como no parecía que su maltrecho tobillo fuera a sufrir mucho con este ejercicio, decidió probar. Y acudió a su primera sesión de aerobic.

Poco a poco Jane fue enganchándose al aerobic, y alguien de su entorno del mundo del cine le propuso hacer vídeos con aquellas sesiones, para que la gente pudiera verlos en sus casas. Jane dudó, pensaba que la gente podría ya no verla como actriz después de verla haciendo deporte; además, el vídeo no estaba demasiado implantado aún en las casas de las familias. Pero finalmente la convencieron y grabaron un vídeo con aquellos ejercicios.

Se convirtió en una auténtica sensación. Vendió 17 millones de unidades en Estados Unidos, siendo por supuesto el vídeo más vendido de aquel año, e hizo que la venta de reproductores de vídeo se duplicara. En los años posteriores, Jane Fonda hizo otras 23 grabaciones de aerobic.

Aquel día en el que Jane tropezó las cosas no salieron como se esperaban. Pero Jane estaba preparada para aceptar las cosas como vienen, y para aprovechar las nuevas oportunidades, las ventanas que se abren cuando se cierra una puerta.

Oasis lo cantan mucho mejor: “Some might say, we will find a brighter day.”

Y si hoy es el día que te hacen esa propuesta? Y si hoy es el día que das un paso adelante? Y si hoy es el día que aparece la oportunidad que tanto has estado buscando?

Estás preparado?

Yeeeeeaaaah…… Stereotypes!

Que mal han envejecido Blur. No ellos, si no su música (por no hablar de algunos de sus espantosos primeros videos!). Si escuchas alguna de sus canciones que fueron éxitos en los 90, como Stereotypes o Country house, te das cuenta que aquella música ha quedado anclada a aquel momento.

Recuerdo intentar dominar el estribillo de Girls & Boys, que ahora parece una canción demasiado ñoña. Allí repitiendonos para memorizarlo. Y, simplemente, pasarlo bien.

Blur sacaron su último disco de estudio en el 2003, aunque su último gran album es del año 97. Desde entonces han tenido separaciones, reunificaciones, miembros que han cambiado.. y un par de singles que nadie escuchó el pasado año.

En 1996 cantaban en Stereotypes: “All your life you’re dreaming, and then you stop dreaming”. Toda la vida soñando y, de repente, dejas de hacerlo. Y.. si, te conviertes en un estereotipo.

Todo tratamos de encajar. Igual que estamos más cómodos cuando etiquetamos lo desconocido (“Blur es una banda alternativa de brit-pop”), nos sentimos más tranquilos si encontramos una etiqueta para nosotros mismos. Nuestro comportamiento va de la mano de la etiqueta que llevamos encima, etiqueta que nos ponen quienes nos rodean. La opinión de los demás nos moldea, y tratamos de ajustarnos al comportamiento que se espera de nosotros, convirtiendonos en estereotipos de nosotros mismos.

El futuro está lleno de incertidumbre, y por ello tratamos de comportarnos como ya hemos hecho en el pasado, porque, a fin de cuentas… no nos ha ido tan mal y seguimos vivos, no?

En el año 1997 Blur saca un disco eléctrico, muy diferente a su estilo hasta entonces, que se titula simplemente “Blur”. Normalmente son los primeros discos los que se llaman como la propia banda. En este caso fue el quinto. Revolucionan su sonido, dan un paso abriendo un nuevo camino.

Posteriormente Damon Albarn, el cantante de Blur, creará una banda virtual, Gorillaz, en la que todos los miembros son dibujos animados. En 2002 sacó un disco de música Malí, y posteriormente creo dos bandas nuevas, una de las cuales no tiene nombre, aunque se la conoce por “The good, the bad and the queen”. En 2011 estrenó su primera ópera.

Damon Albarn supo quien era. Y supo que podría seguir por aquel camino indefinidamente, y que le hubiera ido bien. Sin embargo, decidió no dejar de soñar. Y se convirtió en lo que quiso él, no en lo que los demás esperaban.

>>Por si acaso! Blur hicieron algunas canciones inmensas, como Beetlebum, Coffe and TV o Song 2. Que nadie piense nada malo de Blur!